In den Anfängen der Szene, die wir heute als Rockmusik kennen, also in den 1960er Jahren, spielten mediale Vermarktung und komplexe Bühnenauftritte noch keine Rolle. Näher am Ursprung des eigentlichen 'Musik Machens', genügten den Musikern meist eine einfache Bühne – und ihre Instrumente. Umso überraschender ist es, dass die Rolling Stones in der Bremer Stadthalle 1967 mit einer klassischen Flöte auftraten, wobei das Graffiti und das Schlagzeug der Vorband Creation nicht entfernt worden waren! Was heute nicht nur für diese Band undenkbar wäre, nämlich ein einfacher Vorhang als primäres strukturgebendes Element, mutet im Bild als durchaus adäquat an, als 'authentisch'.

Als bedeutende Manifestation einer politischen Idee in der Kunst ist die Protestbewegung der 1960er Jahre zu betrachten. Viele Künstler, unter ihnen der Lyriker und Musiker Bob Dylan, nutzten einfache, an der Folk-Tradition angelegte Arrangements, um gesellschaftlich relevante Themen anzusprechen. Der Sänger Donovan geht hier sogar einen Schritt weiter und singt gemeinsam mit drei Kindern auf der Bühne – sie stehen für die sog. 'Generation von morgen', für die die Künstler in ihrer pazifistischen und demokratischen Grundhaltung eintraten.

Eine klassische Subkultur waren die Mods. Sie entstanden in den frühen 60ern in London und stellten den Versuch dar, englisches Arbeiterklasse-Bewusstsein mit edwardianischer Eleganz zu kombinieren. Symbolisch für die Bewegung wurde der Scooter, der allgegenwärtige Motorroller, sowie ein Lebensstil zwischen (drogenbedingten) Exzessen an den Wochenenden und bürgerlicher Angepasstheit. Vor allem The Who verkörperten dieses Ideal und wurden zur Identifikationsmarke einer ganzen Generation.

In den 1970er Jahren wurden gesellschaftliche Zwänge als weniger starr empfunden, auch als Resultat des Aufbegehrens in dem Jahrzehnt zuvor. Mittels verspielter und komplexer – sog. psychedelischer – Kompositionen wurde eine ästhetische Parallelwelt erschaffen, eine Möglichkeit also "auszusteigen" – aus Gesellschaft und Alltag. Pink Floyd waren die Vorreiter einer neuen Auffassung von Musik. Sie erweiterten ihre legendären Auftritte zu ganzheitlichen medialen Veranstaltungen und rückten in die Nähe theatralischer Inszenierung.

Die deutsche Musikszene war in den Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg geprägt von britischen und amerikanischen Einflüssen. Auf der Suche nach einer nationalen Identität vermischte eine junge Generation von Musikern US-amerikanische Einflüsse mit einer experimentellen Ausrichtung, die viele hiesige Bands charakterisierte. Die Szene, die wir heute als Krautrock bezeichnen, atmet nicht nur unverkennbar den Geist der 70er Jahre, sondern hat musikhistorisch eine gewisse Bedeutung erlangt – auch wenn Bands wie Ihre Kinder oder Embryo heute wohl nur noch den wenigsten bekannt sind.

Musikmachen scheint im Laufe der Jahre immer aufwändiger geworden zu sein. Die Auswahl der Bilder dokumentiert anschaulich, wie sich das Konzert von einem einfachen Auftritt auf einer Bühne zu einer komplexen und hochtechnisierten Großveranstaltung entwickelt hat. Durch den gewählten Bildausschnitt kann man den Eindruck gewinnen, die Musik – und manchmal sogar der Musiker – rücke in den Hintergrund, gleichsam versteckt hinter Sicherheitskräften oder Bühnengerüsten.

Auf der Konzertbühne geht es in den seltensten Fällen allein um das bloße Spielen der einzelnen Nummern. Das Konzert ist immer eine Kombination aus musikalischen und visuellen Elementen. Dazu gehören die berühmten Posen und Gesten der Bands, allen voran ihrer Sänger, bzw. Sängerinnen. Sind sie Ausdruck einer kreativen Individualität oder zum Stereotyp verkommene Macho-Pose? Gerade ohne die dazugehörige Musik wirken die Bewegungen eindrucksvoll und wie aus dem Kontext gehoben, sie werfen Fragen auf und stellen die Akteure auf der Bühne gleichsam bloß: Manchmal ist man sich nicht sicher, ob diese Posen narzisstische Selbstdarstellung sind oder künstlerische Selbstverwirklichung.

Die visuellen Aspekte der Konzertsituation stehen gleichberechtigt neben den musikalischen. Oft sind Musikerinnen und Musiker Bestandteil, wenn nicht Erschaffer eines besonderen Lebensgefühls, welches wir häufig mit dem Begriff Zeitgeist umschreiben. Die Band Mungo Jerry, bei einem Pressetermin auf einer Wiese sitzend, ist als Bild für die späten 60er und frühen 70er Jahre genauso aussagekräftig wie das postmodern anmutende Space Ritual der gleichnamigen Band im Jahr 2005.

Das klassische Instrument der Rockmusik ist die E-Gitarre. Ihr Klang charakterisiert den typischen Sound vieler Bands, und oft spielen die Leadsänger auch zusätzlich Gitarre. Erweitert wird die 'klassische' Bandstruktur um Bass und Schlagzeug. Manchen Künstlern genügt das jedoch offensichtlich nicht. Sie suchen mit für die Musik eher ungewöhnlichen Alltagsgegenständen eine Ausdehnung des Klangspektrums und experimentieren spielerisch mit Hammer, Messer oder Schere. Dass dabei auch Aspekte der Bühnen-Performance eine Rolle spielen, ist deutlich zu sehen.

Warum gehen Menschen zu Rockkonzerten? Darüber gibt es eine Vielzahl psychologischer, soziologischer und kultureller Erklärungsansätze. Sicherlich geht es auch um das kollektive Erlebnis, die Erfahrung in der großen, anonymen Masse. Dabei spielt natürlich die Größe der Veranstaltung eine entscheidende Rolle. Je mehr Menschen zusammenkommen, desto "schemenhafter" werden die Künstler auf der Bühne. Zuweilen hat man den Eindruck, gerade unter so vielen Menschen eine gewisse Isolation zu verspüren.

Gegen Ende der 1960er Jahre kristallisierte sich eine Spielart des Rock heraus, aus der sich der Blues- und der Hardrock entwickelte. Dieser Musikstil begründete sich im Blues und der R'n'B-Tradition sowie in dem Garage-Rock der 60er. Die Songs orientierten sich an bekannten Blues-Strukturen. Sie wurden in einem bis dato nicht gekannten, explosiven und lautstarken Spiel präsentiert. Neben den Größen des Genres Led Zeppelin, Black Sabbath und Deep Purple, waren es vor allem die britischen Bands Uriah Heep, Ten Years After und Taste, die den typischen Blues- und Hardrock-Sound jener Ära prägten. Uriah Heep veröffentlichten zwischen 1970 und 1975 beeindruckende acht Alben und waren (und sind) besonders in Deutschland sehr beliebt.

Ein Mythos entsteht, wenn wir – oftmals unbewusst – bestimmte Personen des öffentlichen Lebens überhöhen. Mit den Stars verbinden wir dann bestimmte emotionale Werte und Assoziationen, und das Resultat ist, dass diese Menschen sinnbildlich für eine bestimmte Idee oder Lebensanschauung stehen. Jimi Hendrix ist ein typisches Beispiel. Er gilt als Mythos, sein virtuoses Gitarrenspiel, sein exzentrischer Charakter und sein früher Tod haben ihn zu einer Verkörperung des Rock'n'Roll-Lifestyles werden lassen. Ein anderes Beispiel ist Paul McCartney. Er steht repräsentativ für den Mythos Beatles. Diese erste Super-Band steht u.a. für Hysterie, Erfolg und Kreativität.